舞蹈表演風格民族化的六要素

下面YJBYS小編為大家搜索整理的關於舞蹈表演風格民族化的六要素，供大家參考閲讀，希望您喜歡!

　　(1)“重神似”

舞蹈表演不僅注意動作規格與韻律，更重要的是把握人物特有的氣質神貌。我們中國的文學傳統，國畫宗旨，戲曲風格與詩詞、雕塑等藝術門類共同的原則都是“神似重於形似”。藝術表現與表演，抓住了“神”即抓住了“魂”。舞蹈家賈作光的表演風格就是突出人物的“神態”。他跳蒙族舞《牧馬人》時不僅動作風韻十足，更重要的是“跳”出了蒙族男子漢豪爽、灑脱的民族性格。而他表演傣族《魚舞》時，又不僅動作優美、協調、自如，更引人入勝的是他眉宇間眼神運用的傳神，生動地刻畫了“魚”兒在水中自在遊弋的情態。

戲曲表演有一句諺語:“一身之戲在於臉，一臉之戲在於眼”。善用眼神傳情達意是我國傳統表演技法的主要一項。“眼睛是心靈的窗户”。在台上跳舞，是否神情投入，觀眾從表演者的“眼”中就能看到，雖然舞蹈表演強調全身的表現力，可要能善用眼神，就能煥發最完美的神情魅力。“重神似”乃藝術創造之根本。

　　(2)“求意境”

求“意境”是我國傳統藝術表現的又一特徵。美學家宗白華認為:“舞”是中國一切藝術意境的`典型。他指出，藝術空間虛靈，但又意藴豐富。這豐富的意藴就是宇宙運動的節奏、對象生命的本質。早年我也曾在《舞蹈》中發表文章提過舞蹈表演中的三句話——“意在舞之先，意在舞之中，意在舞之外”。今天再作些補充闡述。

“意”在“舞”之先。上台表演前要有情緒醖釀之準備，要“帶戲出場”，而不能出場後再“投入”。我排雙人舞《送別》時，總要求兩位演員先靜靜心，各人在什麼心態中出場必須準確適宜，不夠不行，過分也不行。而在舞蹈表演時，做什麼組合動作都要明確“內心獨白”，你為什麼要這樣跳起這段舞，要有“心理動機”才能融於身體表現之中，這也叫“意在舞之先”。

“意”在“舞”之中，是指舞蹈表演的“內外相應”。發自於內才有形之於外。一招一勢無不內含意味和情感。舞蹈表演要善於表達“意境”，跳《荷花舞》時要從你的動作步態中“看”到滿池荷塘、清新如畫的“美景”，要從你的眼神中傳達出山河秀麗，心潮澎湃的激情。

“意”在“舞”之外是指“舞”外有“意”。舞盡而意不止，耐人回味，發人深思，這是舞蹈表演最成功之所求。所謂“意象”，在舞蹈表演中就是多意味的形象。楊麗萍曾在春節晚會上表演過她自編自演的雙人舞《兩棵樹》，這是我和大家都很讚賞的一個有高文化層次的作品。它以傣族舞的風韻生動地用人體刻畫了兩棵連根纏藤的“樹”，不僅表現了男女鍾情、相依為命的性愛之情，更耐人激動的是飽藴海峽兩岸骨肉同胞心心相連之“意”。我自己也有眾多親屬在台灣，對《兩棵樹》由衷地生髮出更多的真情感觸……我感激楊麗萍，佩服楊麗萍。象這樣的佳作多年不見，難能可貴。“舞”有“盡”而“意”無“窮”，真美!真好!希望在舞蹈創作及表演上都要向《兩棵樹》的藝術高度和深度掘進。

　　(3)“要洗練”

“以一當十，去繁存精”是中國畫技法的守則。舞蹈也屬於表現性的藝術，善用大寫意的手法刻畫人物和渲染氣氛。“洗練”不是簡單，“洗練”是“畫龍點睛”，是高度的凝練、集中和概括。比如我創作的雙人舞《送別》，在表演處理上力求“佔筆勾畫，入木三分”。對兩位演員——楊華和仇非都要求在“情”上下功夫，反覆排練中不斷在“戲”的處理上去繁存精，最後達到“少”一點不夠，“多”一點多餘，比較洗練、完美。他們交流時一眼一舉都默契無隙。“送別”之深情有時用簡練的戲劇手法勝過繁難的舞蹈動作。

著名導演焦菊隱説:“儘量用最少的東西‘激發’觀眾想象力去引起最大的活躍，使觀眾通過他們活躍的想象，參與到舞台生活中來，補充豐富台上的一切，承認台上的一切。”這就是“以少勝多”的藝術哲理，是我國傳統藝術的共則。齊白石的“蝦”，沒有用筆墨去畫“水”，畫“草”，也沒有去畫蝦的皮肉整體，只那麼佔筆勾寫卻把“蝦”畫得活靈活現，給觀畫者有充分想象的“享受”。所以，有人講，藝術創作就是要善於“捨棄”，無“舍”不“精”，無“舍”不“深”。舞蹈表演如要達到“情深意賅”就必須重“洗練”。

　　(4)“善誇張”

舞台表演，沒有適度的誇張就失去觀賞的價值。它和電影表演不同，影視要求很生活，自然得體，因為影視片的景實，人實。其實，所謂“特寫”鏡頭或“變焦距”等技法也屬影視中的誇張手法。我國戲曲臉譜就是人物性情表現的一種誇張手法。用韻白説話是語言的誇張;穿厚底高靴是衣着的誇張;哭笑有節奏、有聲腔是表達情感的誇張。總之，所有“程式”都屬藝術誇張的“符號”。舞蹈表演與此理相通。要知道，誇張不是有意地人為造作;誇張是內心情態的強化和美化。楊麗萍在獨舞《雀之靈》中用了“卡通”式的節奏來表現“展翅”的動態，這也是誇張，是美化的誇張，是創造性的誇張。我看《雀之靈》就“靈”在這種誇張美的手法上。

　　(5)“講身韻”

我國傳統的繪畫、書法被世人概括而稱為“線的藝術”。根據這個特徵來推論，我們民族的音樂是重旋律，民族的舞蹈是重“身韻美”的。我認為“舞蹈是有意味的人體動作的組連”。在組連的過程中就有“動律”、“節律”和“韻律”的規範要求。我們説跳舞的“韻律感”強才是“會”跳舞的好演員。這和唱歌一樣，對歌曲的處理不能一字一字地唱，也不能一句一句地唱、一段一段地唱，而是要按歌曲的意境、情緒首尾相應，有起承轉合，一氣呵成地唱好整首歌。我常看到某些舞蹈演員不會跳舞，他似乎很“認真”地跳每一個動作，可他用力過剩，不協調，不連貫，不完整，缺乏組連動作中的韻律美。結果其表演效果自然是抓不住觀眾，而只是在台上非藝術的“賣勁兒”，實在可惜。

舞蹈的身韻美也可釋為人體動作的“流動美”。蓋叫天老先生常在家中點香觀察，從香煙自然繚繞的“曲線”動態中去揣摩身段的韻律美。我們跳舞就是“活”的“書法”，以人體為“筆”在台上流動地書寫着美的詩章。

　　(6)“貴含蓄”

傳統藝術的美學原則之一是貴在“含蓄”。中國人表達感情的方式就自喻為“暖水瓶”——內熱而不外露。男女之間只要用手輕輕地觸摸一下往往比西方人強有力地擁抱還要深情一些，這就是民族性格內含之處。美學家王朝聞論國畫技法時指出:“景愈藏，境界愈大;景愈露，境界愈小。”有限的藝術形象可能體現出無限的境界。他又説:“表演的含蓄性，是要經得起觀賞者的揣摩從而有自己的發現的可能性。審美如果沒有揣摩，主體就不能掌握含蓄美。”所以，表演含蓄是為了更好地調動觀眾的想象。舞蹈家陳愛蓮在獨舞《春江花月夜》的表演就很有含蓄美，她亦是“笑不露齒”、“喜不溢表”的，她把握住了才子佳人陶醉於自然美景的“分寸”。顯然與有些青年演員為討好觀眾一味地“微笑”是有表演層次高低區別的。